葫芦丝的演奏，在民族艺术中正在蓬勃地发展着，怎样更好地发展葫芦丝演奏这种古老艺术韵味的魅力呢?这是我们葫芦丝音乐人不断追求和探索的问题。
我们要将纸面上死板的音符，演变成美妙的音乐不是仅仅用乐器来“读”乐谱，因为记录音乐的乐谱不同于语言文字，它是一种特殊声音符号，除了极少数音乐专家可以通过阅读乐谱产生内心听觉之外，广大的音乐听众是不可能从中获得任何审美体验的，即使是音乐专家也不能仅仅依靠阅读乐谱来欣赏音乐，因为实际演奏出来的音乐更能表达内心情感，我们要透过音符的表面去理解它所表达的思想和意境。通过表演这个中间环节，才能把艺术作品传达给欣赏者，实现音乐作品的审美价值，因此音乐离开了表演这个环节就无法谈它的审美价值。在音乐表演中我们必须是在尊重原创的基础上进行的，它必须把一度创造作为自己的出发点和归结点(即在进行表演创造时，必须要表现乐曲作品所指明大方向，表演者再融入自己的表演再创造)。那种随意篡改原作，违背作者意愿的音乐表演从根本上说是不可取的二度创作的实质。
吹奏中二度创作就是我们常说的死谱活吹。如何将死谱活吹?这就需要我们在演奏时对乐曲的主题思想、风格、意境、韵味等方面进行艺术再创造，使之具备一定的生命力和感染力。二度创作包括以下几个方面：
一、主题思想的理解
当我们拿到一首陌生的曲谱，并不需要急着拿起来就去吹。首先要对乐曲创作的时代背景、大环境和思想感情方面琢磨一番。一首乐曲的每个音符中都凝聚着作曲者的思想内容，葫芦丝演奏者要做到认真对待每一个音符。对作品的理解越深，感受就会越深，在演奏时的表达才可能越具感染力。另外，一个葫芦丝演奏者的文学修养的深浅，也会直接影响他对作品理解的深刻程度。所以，知识丰富、学识渊博、视野开阔，也是我们葫芦丝演奏时更好地表达音乐感情的重要因素之一。
二、乐曲风格的把握
一些葫芦丝演奏者吹奏出的音色相当漂亮，演奏技巧也很娴熟，但当演奏西南少数民族尤其是傣族乐曲时，将南方曲的柔美变成了北方曲的粗犷，使得两种不同风格的融合磨消了各自的个性。造成这种原因，说明演奏者在演奏之前，并没能很好地对作品的地区差异、民族风格等方面进行细致的分析和了解，没有能恰如其分地用自己的演奏技巧来表达作品的风格。演奏者若想细致地表现作品的内涵，必须事先对乐曲风格上进行分析了解。如演奏《灞柳情》、《黄土谣》、《黄土情》、《赶牲灵》、这类北方风格的乐曲时，要注意乐曲的“音乐气质”与音色上的“音色特性”。北方曲子中的技巧以将花舌音、滑音、颤音、腹震音等演奏技法,极大的发挥了北方曲子的粗犷豪爽、热情奔放的个性，特殊技法的安排和运用，使乐曲具有浓郁的地方色彩突出阳刚;南方曲子的演奏中，如《竹林深处》、《竹楼情歌》《月光下的凤尾竹》、《赶摆》、《泼水欢歌》等曲目，演奏的时候要充分运用虚颤、叠、打、震、滑的演奏技巧。表现南方优雅的风格，要起伏多姿，富有歌唱性，旋律流畅，突出轻巧秀丽。
三、韵味的把握与表现
要把握住曲子的韵味首先要达到一种境界。这种境界就指的是内心体验而在思想上反映出来的感知程度，抽象且又深刻，可以称其为“意”。“意”虽抽象但不是虚设的空中楼阁，演奏的“技”达到一定的程度时，我们就会讲到“意”。“意”的抒发由“技”而来，反过来又指导“技”的发挥。葫芦丝演奏中要能准确地领会和传达乐曲的艺术意境，音乐不是单纯的背诵音符，要表达出能够打动人心的韵味来，关键是很透彻的体会“意”所要表达的境界。如在演奏《春满傣乡》时，我们可以先找一些描写春天的诗词来读一读。整个乐曲自始至终贯注着一股清新质朴的气韵，一听到它，音乐就能透过肌肤，在人的肺腑的深处旋绕、回荡。韵味的表现可以看出一个人的文化修养，也可以看出其对演奏技术的熟练把握程度，更能看出一个人的想象和创造性的思维。
在音乐的表现上要重视想象力。演奏前需将乐曲的内容和音乐形象，变成头脑中一幅幅的生动画面，并做到身临其境。如果将一首乐曲的基本情绪和意境想象得很具体，那么表达时便会真实生动。如演奏《春满傣乡》这个作品时，就可以设想在傣家村寨，春光明媚，万紫千红，鸟语花香，百鸟争鸣，一片欢腾热闹的画面。想象力丰富的人可以很快地进入音乐的境界，与音乐形象融为一体，这样便能情真意切。演奏者想象能力的提高，绝非一日之功，是长期生活、学习与情感的积累，艺术修养就在这些积累不断提升，积累越多，灵感也就越多。一个好的葫芦丝演奏者应随时随地用眼睛和耳朵去收集和倾听各种生活画面和声音，去感受生活的点点滴滴，从而丰富自身的想象力，进而更深刻地理解和表达作品的内涵。
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